Selección de artistas

Un gran número de artistas nacionales e internacionales de diferentes disciplinas forman parte del Circuit Artístic y Abartium, la mayoria con una carrera artística consolidada y reconocida como el pintor y escultor catalán Josep Vernis, el vasco Koldo Etxebarria con sus creaciones 3D, la pintora madrileña Marta Maldonado, el fotógrafo suizo Peter Müller, Daniel Bilbao, Margarita Gamez o Joanpere Massana, por citar algunos y otros  emergentes de gran potencial. 

Nos hubiera gustado en este espacio digital, dar cabida a todos los artistas del Circuit y Abartium, pero no es posible por razones obvias, por lo que hemos efectuado una breve selección en representación de todos ellos.



MARTA MALDONADO

Málaga, 1967

Marta Maldonado es malagueña de origen y madrileña de adopción. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, y Becada por la Cátedra de Paisaje de la U.C.M. Chefchaoven de Marruecos, ha sido profesora colaboradora de la Cátedra de Paisaje de la Facultad de Bellas Artes U.C.M y efectuó cursos de doctorado además de formarse en Atelier Glaciere - Marie de París (Francia). Ha sido ilustradora de la revista "La Colmena de la Universidad de Toluca en México, ponente en la Universidad de CC de la Información de Madrid en "Mujeres en el ámbito de la Creación", y profesora de la cátedra de Dibujo de la Universidad San Pablo CEU de Arquitectura de Madrid.
Su creatividad ha merecido el aplauso constante de los críticos de arte: 
"(..) Se trata de obras de arte que han sido visualizadas y sentidas en todas sus dimensiones, en su profundidad y en sus perfiles más claros y nítidos. Desde el lienzo crecer insinuando imágenes, reveladas en un ambiente que es a la vez exaltado y comunicativo, construido a partir de la conjunción de la forma y la lujúria del color."  Victoriano Crémer - Author and Art Crític
"(..) Sus obras captan perfectamente las emociones de ese momento en que la artista ha decidido pasar las imágenes fugaces de la realidad a la plasmación en el lienzo. Ningún espectador puede permanecer indiferente ante los lienzos de Maldonado. Las gestuales pinceladas guían su mirada por unos escenarios pletóricos de color y dinamismo, donde las figuras están en continuo movimiento y los colores disfrutan de la hermosa danza de la vida." Marcelino Cuevas - Crítico de Arte.
Ha obtenido incontables premios y menciones en importantes certámenes de pintura, y su obra se encuentra en colecciones privadas y museos de toda Europa y América, además de Ayuntamientos y Fundaciones cómo: Museo de Arte de Washington, Museo de Arte Contemporáneo de Calviá (Mallorca), Museo de Arte Contemporáneo de Salta (Argentina), Colección del Palacio de Congresos y exposiciones del "Parque de las Naciones" de Madrid, Colecciones BBVA, Grupo Acciona, NH; entre muchos otros.
Marta Maldonado ha participado en Ferias Internacionales de Arte y expuesto su obra en numerosas exposiciones individuales y colectivas de Europa y América: Galería Kunstforening de Noruega, Gallery La Jolla de San Diego (USA), Galería Monroe de San Diego (USA), Galería A. Nervo de California (USA), Galerie GOT de París, Gallery Art Dimension de Miami (USA), Galería Alfama de Madrid, Galería Nova de Málaga, Galería Tavira de Bilbao, Galería Torres de Bilbao, Universidad de Toluca (México), Galería Rocha de St. Paul de Vence (Francia), Instituto Cervantes de Bruselas (Bélgica), como breve selección.

BAYOD SERAFINI

Barcelona, 1943
Carles Bayod Serafini es Doctor en Bellas Artes y también se Doctoró en la Escuela Superior de Arquitectura. Maestro de maestros, su dilatada formación se hace extensiva al mundo de la música que llevó a cabo en el Conservatorio Superior de Música de Barcelona. A lo largo de su trayectoria artística también ha ejercido la docencia como profesor de dibujo y pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Jorge de Barcelona, y diversas escuelas e institutos y ha sido miembro de Tribunales de Tesis Doctorales de: la Escuela Superior de Arquitectura Universidad Politécnica de Cataluña, de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona y de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada.
Bayod es creador de la Sensología y fundador del Instituto de Sensología dedicado a la investigación y difusión de la misma al amparo de la Fundación Orue. Ha publicado varios libros fruto de sus investigaciones con el soporte de la Universidad de Barcelona y otras editoriales y ha impartido cursos y seminarios de Sensología en: Centre d'Estudis de Crítica d'Art de Barcelona, ICE Universidad Central de Barcelona, Facultad de Bellas Artes de Barcelona, Universidad de Corte Corcega de Francia, Colegio de Doctores y Licenciados en Bellas Artes, Escuela Universitaria del Profesorado, Centre e Perfectionnement du Corps Enseignant Neuchatel de Suiza, entre muchos otros. Es miembro del Grupo de Trabajo del "Programa de educación visual y plástica" del Instituto de Ciencias de la Educación de la Universidad de Barcelona.
"A través de mi pintura también he intentado trasmitir mis paseos, mis secuestros, mis entradas (casi siempre sin querer), mis salidas (muchas veces a la fuerza) de esta nada inmensa, que me ha procurado las horas más felices de mi vida, que quizás tampoco fueron siquiera felices, porque estando en ella o con ella, hablar de felicidad, sería blasfemar, porque lo que se siente, lo que se vive, no tiene parangón conocido en nuestra pobre realidad (la que llamamos real) que es solamente lo más exterior de la o cáscara del fruto de eso que llamamos vida o vivir". Carles Bayod Serafini
Ha obtenido numerosos premios y su obra se encuentra en importantes museos, pinacotecas y colecciones privadas como: Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), Musée Cantonal de Beaux-Arts de Lausanne de Suiza, Museo de Arte Contemporáneo de Bata de Guinea Ecuatorial, Musée de Beaux-ARts de Neuchatel de Suiza, Museu d'Art Modern de Tarragona, entre otros. Ha realizado más de cincuenta exposiciones individuales y otras colectivas en España, Francia, Italia, Suiza, Bélgica, Austria y Holanda en: museos, diputaciones, espacios gubernamentales, colegios profesionales, universidades, pinacotecas y galerías. Ha sido repetidamente galardonado en Salones y Bienales de Arte nacionales e internacionales y su obra está representada en museos nacionales y extranjeros.


KOLDO ETXEBARRIA - Arte digital
Lemona (Bilbao), 1960 

Koldo Etxebarría estudió Bellas Artes en la Universidad del País Vasco, ingresando al finalizar la carrera en 1983 en el departamento artístico de EuskalTelebista.

Dentro del terreno de la creación artística, y en relación directa con las tecnologías del diseño gráfico de televisión, se interesa por las posibilidades artísticas y expresivas de las nuevas tecnologías dentro del arte.

Koldo Etxebarria pone al ser humano como centro de toda belleza y su obra gira entorno al mismo, pero no la belleza exterior, sino la interior que brota en momentos de quietud, el mismo indica que es lo que expresa en sus cuadros. 

La creación de su obra se basa en programas informáticos de representación 3D como Autodesk Maya en el cual crea "afrontando el ordenador como si fuera un lienzo y el pixel como pigmento"  siguiendo con la utilización del desarrollo tecnológico, como se viene haciendo desde el renacimiento, para la creación artística. Con un cuidado especial en la armonía, la luz y el color, muestra al individuo dentro de un ambiente arquitectónico. Los diseños creados en el ordenador se imprimen y luego se transfieren a un soporte de aluminio o bien se positivan sobre papel fotográfico que luego se plastifica. La técnica, que es usada normalmente en el mundo de la producción de televisión y cinematográfica, es de nueva implantación en el mundo del arte.

La obra de Koldo Etxebarria se basa en el concepto de belleza que ha desarrollado, la belleza metafísica, afirmando que la misma pertenece al ser humano y se encuentra en lo más hondo del mismo, fuera del ego junto a su verdadera identidad.

Koldo Etxebarria a sido premiado en importantes certámenes de pintura, dirigido diversas ponencias y cursos, y ha efectuado numerosas exposiciones en galerías e importantes museos como el Guggenheim de Bilbao, entre otros.




FRANCESC ARUMÍ          
Barcelona, 1951 
Francesc Arumí inició su andadura creativa formándose en la Escuela Eina de Barcelona donde estudió Diseño Grafico. A finales de los setenta presenta sus creaciones artísticas en Menorca y Mallorca, iniciando así su periplo dentro del mundo del arte. Después de viajar a Nueva York, París y Ámsterdam se une a artistas de la talla de Xano Armenter y Santi Moix para un importante proyecto creado en común frente al puerto de Barcelona en el Metrónom que contó con el soporte de la Diputación de Barcelona. Francesc Arumí forma parte de la vanguardia pictórica catalana junto a autores como Llimós Mariscal, Tito, Viplana o Perico Pastor además de Armenter i Moix.
"Francesc Arumí es un claro ejemplo de una pintura reflexiva, poblada de insinuaciones, misterio, donde el paso del tiempo ha sido el factor esencial para que se pudiera materializar con la rotundidad y contundencia que emana de ella.
Arumí es un artista solitario. Su vida, su método de trabajo y su obra son absolutamente inseparables. Aislado de las grandes urbes, lleva más de quince años viviendo en el campo. Un aislamiento absolutamente necesario para tomarse el tiempo que necesita para pintar. (...) Más preocupado por encontrar su camino, ha optado por el silencio y la reflexión. Una reflexión poblada de encuentros y desencuentros, de idas y venidas." Manuel Valls
"A medio camino entre la figuración y la abstracción, los espacios que presenta Francesc Arumí crean una atmósfera de ansiedad, una inquietud una exctación que a veces deriva hacia una introspección y a veces hacia un sueño. Pero la voluntad expresiva mantiene el color y la forma sólidamente enraizadas al suelo de éstas habitaciones medio vacías, estas calles abandonadas, éstas figuras paradas al lado de las puertas o sentadas en medio de un espacio que es evidente que no les pertenece, que les supera.
(...) De vez en cuando, un rayo de luz, una ventana, una puerta abierta hacia otra luminosidad, nos recuerda la nostalgia de otros mundos más claros, otros espacios más felices. Pero el pintor no cae en la trampa de la facilidad y mantiene el hilo de color únicamente como contraste para hacer más evidente el espacio nocturno, el mundo intranquilo que desea presentarnos. (...) Son los interiores y nocturnidades que podemos encontrar en nosotros mismos. Es nuestro interior y nuestra noche."  Emilio Teixidor 
La obra de Francesc Arumí forma parte de importantes colecciones privadas. Selección de exposiciones: Sala Parés de Barcelona, Galería Francesc Machado de Girona, Galería Carles Tatché de Barcelona, Galería Juan Gris de Madrid, Galería Trama de Barcelona, Frazier Museum Kentuchy (EEUU), Arge Immo GmbH de München (Alemania), Galería Concorde de München (Alemania), Art & Design de Barcelona, Galería Pilar Riberaygua de Andorra, Galería Llegir - Art de Sant Cugat del Vallés, A. C. Rose Selavy de Barcelona, o Galería Broc de Barcelona entre otras.





PETER MüLLER  - Fotografía i fotografía digital

Suiza (1953)
Peter Müller realizó estudios de Arquitectura y Bellas Artes en Zurich (Suiza). Inició su andadura fotográfica como asistente de Bert Stern y segundo operador de cámara de Eddie Vorkapich de 1973 a 1980. Trabajó como fotógrafo publicitario en España, Europa y Norteamérica, donde realizó importantes campañas publicitarias: Coca-Cola, De Beers, Smirnoff, Triumph Internacional, Cutty Sarck, Seven Up, Beefeater, Winston, Renault Internacional o Peugeot Internacional por citar algunos. Sus trabajos han sido publicados en Zoom, Arte Fotográfico, Photo, Cámara, Lui, Playboy, Vogue, Dunia, Geo, El País dominical, Revista FMR, entre otras. Efectuó carteleria de cine y reportajes para las productoras Sogete, Sogepag, Canal +, Antena 3, Columbia, TV3, Warners, Universal, además de otras.
Müller ha publicado numerosos libros de fotografía algunos de ellos premiados como "España por dentro" premio de Art Directors Club of Europe, o su libro "Oro Plata" con el que obtuvo dos premios Laus y cuyas obras expuso en el Museo de Arte Moderno en Nîmes (Francia) . También ha sido distinguido con premios como el Premio Fuji, Lux Oro o Leaf Oro. Ha sido ponente en la Universidad de Salamanca, impartido seminarios para Canon Eos Discovery en Florida Park de Madrid, y jurado en premios internacionales de Artes Plásticas como el de Caja Extremadura.
Muller realiza su trabajo artístico con el objetivo de mostrar la belleza del caballo de pura raza española acompañado de una selección de grandes obras pictóricas de las mejores pinacotecas de Madrid, en una apreciable interacción entre el caballo y el arte. Müller construyó grandes lienzos de obras de Velazquez, Rubens, Botticelli o Van Dick, a los cuales incorporó el caballo en su estado más puro, como modelo único. Escenografias a gran escala, propias de una superproducción, se instalaron en el recinto ferial de la Expo de Sevilla en dos naves, una para montar los decorados y la segunda a modo de caballeriza. Los caballos seleccionados pertenecen a la Yeguada de la Cartuja Hierro del Bocado, una estirpe que se remonta al siglo XV que representan la mayor raza y pureza dentro de su especie . El texto introductorio de la obra "Pure Blood Reflections" fué escrito por el Premio Nobel de Literatura Mario Vargas Llosa y en dos de las obras contó con la colaboración del artista internacional Carlos Franco. Esta exposición se movió tanto a nivel nacional como internacional en espacios tan relevantes como el Palacio Fontseca de la Universidad de Salamanca, el Museo de Arte Moderno de Estambul, el Teatro Nacional de Qatar, el Centro Cultural de las Rozas de Madrid, la Casa de la Cultura de Segovia, el Santa María Polo Club de Sotogrande y en Paradores España.
Müller ha expuesto su obra en: Freulerpalast Näfels de Suiza, Museo de Arte Contemporáneo de Estambul (Turquía), Museo de Arte Moderno de Nîmes (Francia), Teatro Nacional de Doha (Qatar), Lexus España, Estampa 2009 de Madrid, Sala Barjola Las Rozas de Madrid, Club de Golf "La Faisanera", Galería Ars Nova de Madrid, Instituto Cervantes de Londres, Salas Históricas de la Universidad de Salamanca, Teatro Buero Vallejo de Guadalajara,  Flecha Feria de Arte Contemporáneo Arturo Soria Plaza de Madrid, DeArte en el Palacio de Congresos de Madrid, Sala Barjola de Las Rojas de Madrid, Valencia Fashion Week 2010, Aeropuerto de Barajas de Madrid, Palacio Los Serrano de Ávila, Fundación Claret de Barcelona, H10 Gallery de Marbella, Hospedería Fonseca Universidad de Salamanca, entre otros espacios.  

JAIME SANJUÁN

Zaragoza, 1981 

Jaime Sanjuán se Licenció en Bellas Artes en la Universidad de Castilla La Mancha en Cuenca, donde se especializó en Artes Plásticas, Audiovisuales y Diseño. También está diplomado en Estudios Avanzados (DEA) que le otorgan capacidad investigadora en Historia de Arte.
Sus primeras obras digitales eran tan hiperrealistas que al publicarlas algunos especialistas en pintura digital creyeron que las hacía modificando fotografías previas, fue entonces cuando comenzó a introducir elementos irreales en sus obras diferenciándolas de un trabajo fotográfico. No obstante, aún había gente que seguía creyendo que se trataba de retoques fotográficos, por lo que "colgó" vídeos en Internet en los que mostraba el proceso de creación de alguna de ellas despejando toda duda.
Todas sus obras han sido pintadas con los dedos en un iPad. Se trata de un proceso manual de pintura que no difiere en gran medida de la pintura tradicional al óleo. Cada obra requiere un trabajo entre 100 y 200 horas. Las obras están impresas sobre papel Hahnemühle PhotoRag 308gm2, aceptado por los mejores museos del mundo y con tintas pigmentadas que garantizan la perdurabilidad de la obra al paso del tiempo, en una tirada de copias certificadas con sello holográfico de seguridad asociado a un número de serie único.
Su exposición en la primavera de 2015 en el Museo IAACC Pablo Serrano de Zaragoza superó todas las expectativas del propio museo  siendo la exposición más visitada con miles de espectadores atrayendo además a visitantes de diversos puntos de España y con un eco mediático sin precedentes. Su obra se destaca en periódicos y revistas especializadas en arte de todo el mundo, así como los principales portales web sobre arte y diseño.
Jaime Sanjuán ha ganado entre 2014 y 2016 los premios mundiales más prestigiosos en pintura digital como la 35 Edición del American Ilustration donde se reconoce a los mejors ilustradores de EEUU y artistas publicados en éste país, también el Comunication Arts, MDAC Summit, Pogo Art Contest, ASC Art Showdown Still Life y el Aragón en la Red 2014 y su trabajo ha sido destacado en el New York Times entre otras publicaciones de todo el mundo.
 


PERE RIBERA - Pintura y escultura


La Vall D'Uixó (Castellón), 1958

El artista castellonense Pere Ribera, está considerado en  la actualidad, como uno de los mayores exponentes del arte de la  comunidad valenciana.  Desde hace unos años, Pere  Ribera, desarrolla su actividad artística en el campo de la pintura, la  escultura y el grabado, interrelacionando su arte con temas de gran  interés actual como la ecología o la paz, añadiendo aspectos didácticos o de  concienciación a través del arte. Ha coordinado las acciones: I, II y  III Encuentro Internacional de Arte y Paz en el Museo de la Paz del  Valle de Uixó en Castellón, I Encuentro Internacional de Arte y Paz en  el Museo de la Paz de Guernica en el País Vasco, I, II y III Edición del  Arte del Residuo, Parque de Ribalta de Castellón. Además,  realiza  esculturas performance, charlas y talleres en distintos centros  educativos con respecto a estos temas.

Desde  1972, realiza un centenar de exposiciones tanto individuales como  colectivas, en ciudades como: Castellón, Valencia, Alicante, Granada,  Salamanca, Ávila, Valladolid, Madrid, Barcelona, París (Francia),  Tarragona, Oviedo, Balance d’Agen (Francia), Lubin (Polonia), Talavera  de la Reina (Toledo), Ibiza, Tolosa (Francia), Figueres (Girona), Verdú  (Lleida), Banyoles (Girona), Ciudad Real, entre otras. 






MERCÈ RIBA          
Barcelona (1952) 
Mercè Riba se licenció en pintura y escultura en la Facultad de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona y anteriormente estudió escultura en la Escuela Massana también de Barcelona y en la Escuela de Cerámica de La Bisbal d'Emporda. En 1978, junto a Ángel Camino y Carles Mauricio funda el colectivo de artistas Taller Nou que tienen como nexo común la obra gráfica. Su obra se extiende desde esculturas de gran a pequeño formato así como dibujo e ilustraciones de libros. Su espíritu docente la lleva a impartir diversos cursos de grabado calcográfico además de cursos de modelado y escultura en Gerona y Huesca y en la Universidad de Barcelona. Riba ha realizado numerosos proyectos de gran formato tanto muralistas como de escultura para entidades públicas y coleccionistas.
"Actualmente reside en un pequeño pueblo ampurdanés donde realiza su obra artística dentro de la figuración expresionista, tanto en escultura como en grabado calcográfico. Mercè Riba entronca con toda una línea, potente, densa, de la historia del arte que tiene como objetivo el hombre, desde su individualidad y todo aquello que lo condiciona, que lo marca, que no le deja desarrollar sus potencias interiores. (...) Mercè Riba, nos devuelve a un momento en el que la pasión íntima enlaza con la sociedad y con el arte. Por eso su obra nos impacta interiormente. Y se convierte en conciencia social." Francesc Miralles, Estudiador de arte
"Nieta de los poetas Clementina Arderiu y Carles Riba traductor de la Odisea y la Ilíada, en su lectura descubrió a los clásicos donde dice aprendió muchas cosas, sobre todo, que la literatura (y el arte en general) es algo ilimitado, inagotable, pero también que "la obra de arte debe ser global, una totalidad. Puedes poner el acento en una parte y dejar en segundo término otra, pero no puedes fallar en ninguna". (...) "Uno de los problemas creativos es cómo llegar al punto en que lo realizado te satisface. Ahora sé reconocerlo. Hay un momento, durante el proceso, en que te das cuenta de que la pieza funciona, que tiene vida propia. La miro y la veo como si no fuera cosa mía, aparece como surgida de la nada. Este momento es fascinante, me emociona. Es la hora de dejar el trabajo como está". Extractos de "Un paseo con Mercè Riba" de Josep Maria Sória, periodista de La Vanguardia
"La obra de Mercè Riba es fruto de la madurez, de la reflexión psicológica y de la interiorización espiritual. Su trabajo gira en torno a los misterios del amor y del desamor, de la gestación y del nacimiento, donde la vida y la muerte se dan la mano. (...) En su obra, tanto en la vertiente escultórica como en la gráfica, la figura humana, el cuerpo, adquiere un gran sentido de lo físico, del placer y del dolor. (...) El arte de Mercé rehuye la mera especulación formal y el decorativismo, siendo fruto del rigor, la exigencia y la precisión en el trabajo". Dr. Carlos Mauricio Falgueras, profesor titular de la Universidad de Barcelona 
Mercè Riba ha expuesto en numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas, así como muestras de arte contemporáneo nacionales e internacionales en EEUU, Bélgica, Suiza, Luxemburgo, Francia, Portugal, Alemania y España y su obra forma parte de la colección de museos. 


RENÉ MONZÓN (Pozas) - Pintura
La Habana de Cuba, 1966

Pintor de formación autodidacta. Tras realizar sus estudios de Ingeniería Industrial en Electricidad decide dejar su trabajo para dedicarse por entero a la pintura. Sus primeras exposiciones en La Habana muestran una obra de carácter impresionista. La evolución del artista, su vida alejada de la gran ciudad hace que el paisaje sea el tema principal, quedando plasmado en sus lienzos de una forma casi fotográfica, en donde la luz, serenidad y profundidad de los campos de Cuba envuelven nuestra mirada y nos hace abstraernos hasta descubrir lo pequeño que somos.
En 1993 expone por primera vez dentro del hiperrealismo y sus cuadros pasan a ser reconocidos dentro de la plástica cubana, formando parte del catálogo "Pintores Cubanos Contemporáneos".

Ha participado en varias exposiciones en La Habana y empieza a ser reconocidos a nivel internacional. Muchas de sus obras forman parte de colecciones privadas en Italia, España, Venezuela, Estados Unidos y México.

En 1995 viaja a España, Madrid pasa a ser su lugar de residencia en donde continua su trabajo pictórico sin abandonar el paisaje como tema principal de sus obras corroborando así su preocupación por el medio y ayudando mediante sus obras a valorar la belleza y la grandeza de lo que todavía hoy podemos llamar naturaleza. 



RODRIGUEZ HERNAN - Pintura
Salamanca, 1969

Rodriguez Hernan es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, obtuvo también el certificado de Aptitud Pedagógica por el Instituto de Ciencias de la Educación en la misma universidad. También obtuvo el título del Conservatorio Superior de Música Ferraz de Madrid y es profesor de piano. Ha efectuado cursos de dibujo, pintura, cerámica y grabado en la Universidad Popular de Valdemoro de Madrid y es miembro del Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Es componente del equipo de Daniel Buren, ha restaurado obras de interés cultural. Ha efectuado trabajos de diseño, carteleria interior y exterior de “El Molino” para la Diputación de Salamanca, así como la campaña de marketing de Vichy España. En el mundo del teatro, ha efectuado el diseño escenográfico y de vestuario de la Opera “Ligia” en el Teatro Cervantes de Bejar (Salamanca), y es profesor de educación plástica y visual en varias escuelas así como profesor de música también en varias escuelas.